Reseña: Halsey en el Pepsi Center WTC

Fotos: Twitter Pepsi Center WTC

Halsey llegó al mundo de la música pop con un disco debut que la caracterizó por su estilo tan único. Vino por primera vez a México a presentar ese disco en 2015 en el Festival Corona Capital, y casi nadie la ubicaba. Y ahora, este viernes hizo suyo el Pepsi Center WTC en su primer show en solitario, presentando ahora su segundo LP hopeless fountain kingdom.

Griten si fueron a verme al Corona Capital. (Gritos ensordecedores) No…muchos de ustedes están mintiendo, mi público no es tanto”.

Poco antes del acto de apertura, la sección general se veía casi vacía, solo estaban los más fieles fans amontonados hasta adelante, desesperados ya porque empezara el show. A las 8:30 salió al escenario Lauren Jauregui, integrante del grupo Fifth Harmony y gran amiga de Halsey. Sorprendió con su belleza y sensualidad en un set de siete canciones, de las cuales cuatro fueron covers muy bien logrados, pues demostró que su voz es versátil y que además habla un español perfecto.

Para las 9 de la noche, el Pepsi Center ya se veía mucho más lleno. Los horarios estaban atrasados y todos esperaban el momento en el que se apagaran las luces. A las 9:30 por fin se cortó la música de fondo y empezó el intro “The Prologue”, mientras se proyectaba la figura de Halsey detrás de la cortina que cubría la mitad del escenario, y al comenzar “Eyes Closed”, la cortina cayó dejando ver a la cantante sobre una base de escalones que daban la ilusión de que fuera un recinto enorme.

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En un conjunto de ropa color blanco brilloso y con una actitud muy animada, Halsey interpretó consecutivamente “Hold Me Down”, “Castle” y “Heaven In Hiding” hasta que al inicio de “Strangers” habló sobre la comunidad LGBT y preguntó a sus fans quién estaba a favor de ella. Lauren salió nuevamente al escenario para acompañarla, mientras en las pantallas se proyectaban imágenes de parejas LGBT.

Antes de cantar “Closer” (cover de The Chainsmokers en la que ella tiene un feature) se sentó en uno de los escalones y tuvo una íntima plática con el público. Habló sobre cómo el dar un concierto al final del día puede arreglar cualquier mala experiencia que haya tenido durante el día, y cuán especial es el público mexicano para ella, pues ha venido a grabar un par de videos, y contó cómo en ese entonces nadie supo que estaba en México y cuánto disfrutó estar sola y conocer la ciudad, mientras algunas lágrimas escurrían por sus mejillas. Seguido de esto, el mood cambió y comenzó a interpretar “Him & I”, donde inesperadamente salió al escenario el rapero G-Eazy, con quien colaboró en este track. “¿De verdad creían que no habría sorpresas en este show tan especial? Y espero que no piensen que será la única…” dice Halsey entre la ovación y el asombro de la audiencia.

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Entre mucho baile, sensualidad y uno que otro cambio de ropa, interpretó algunos otros éxitos de hopeless fountain kingdom, hasta que en la última parte del concierto nos llevó al pasado y cantó “Is There Somewhere” de su primer EP Room 93, momento en que se acercó a sus fans, y preocupada les pidió que dejaran de empujarse. Con “Colors” provocó el canto más fuerte de la noche, y con “Young God”, “Gasoline” y “Hurricane” nos llevó de regreso a BADLANDS para cerrar la noche. Halsey agradeció incansablemente el apoyo y salió del escenario entre gritos, humo y mucho confetti de colores. Sin embargo no sería todo, pues para terminar, en las pantallas se proyectó el estreno del tráiler de su próximo video para “Strangers”.

Esta noche Halsey nos dejó ver cuánto ama a México, cuánto ama lo que hace y todo el empeño que le ha puesto a su música, sin dejar atrás el hecho de que pudimos ver que es una chica con un enorme carisma y de la que seguiremos al pendiente por mucho tiempo más.

*este contenido fue realizado para Revista Kuadro y publicado en revistakuadro.com

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Entrevista con Logan Henderson: la inspiración y el proceso detrás de Echoes Of Departure And The Endless Street Of Dreams

El pasado 4 de mayo tuve el privilegio de hacer realidad uno de mis más grandes sueños: entrevistar a alguien que admiro. Y ese alguien fue Logan Henderson, ex Big Time Rush. Le pregunté sobre por qué eligió México para empezar su primera gira en solitario, su inspiración y el proceso de composición para Echoes Of Departure And The Endless Street Of Dreams (aunque el día que lo entrevisté aún no sabíamos el nombre del álbum). Espero que les guste mucho, la hice para Revista Kuadro y fue publicada ahí.

  • ¿Qué se siente volver a México luego de más de cuatro años?

Es grandioso, el público mexicano es un público que aprecio mucho, y el hecho de volver y compartir con mis fans mexicanos la idea de la música que estoy haciendo y el tipo de artista que quiero ser, es increíble.

  • ¿Por qué nos elegiste para empezar tu tour?

Es uno de mis lugares favoritos, y sentí que quería actuar frente a los amigos y familia que tengo aquí para que sean testigos de lo que he estado haciendo. Hay mucha energía, pasión y amor aquí, sé que la van a pasar increíble.

  • ¿Cuáles son algunos de tus recuerdos favoritos en México?

He ido a muchos lugares, me gusta viajar y aventurar, recuerdo que antes con la banda (BTR) nos gustaba mucho probar la comida, somos grandes fans de la comida, y hemos hecho tantos amigos aquí que es agradable regresar y sentir que es como mi segunda casa.

  • ¿Qué comida mexicana te gusta más?

Hombre…es difícil. Hay demasiadas cosas buenas. Amo los tacos, ya sabes, los de la calle, que son los mejores, y el tequila.

  • Hablemos de tu música. ¿Por qué ha sido tan largo el proceso para tu álbum debut?

Creo que cada quien tiene su tiempo, todos aprenden y crecen a ritmos diferentes. Yo quise tomarme mi tiempo hasta que supiera cuál era mi visión y en qué me enfocaría, no quería solo hacer música, sino hacer algo muy especial, necesitaba tiempo para regresar a mis raíces musicalmente y darme cuenta del tipo de persona que quería ser.

  • ¿Dirías que tienes un género musical?

No, yo no diría eso. De hecho, trate de hacer completamente lo opuesto. Amo cuando la gente me pregunta sobre eso, es una de mis partes favoritas. Los artistas con los que crecí y de los que aprendí siempre se retaban a sí mismos en el estudio, y eso me hizo preguntarme, por ejemplo, ¿cómo va Radiohead de un Pablo Honey a un Ok Computer? Eso siempre fue algo muy extraño para mí. O la idea del primer álbum de The Killers (Hot Fuss), que luego hacen algo como Sam’s Town. Aprendí mucho de esos álbumes como artista, y siempre me ha gustado la idea de reinventarte y cambiar.

  • ¿Qué puedes expresar ahora con tu música que no hacías cuando estabas en la banda?

Algo de contenido, de historias. Todo es más específico, detallado, es algo muy personal, muestra otro lado de mí. En ese tiempo (de BTR) era muy joven, y creo que cuando eres joven no quieres mostrarte vulnerable, no quieres mostrar quien eres realmente y de qué tratas, quizá porque es difícil o te asusta, pero ahora es importante para mi mostrar todo eso en la música que estoy haciendo.

  • De los tres singles que has lanzado, ¿cuál es tu favorito y por qué?

Es difícil. Me gustan diferentes cosas de cada uno. Me gusta “Bite My Tongue” porque creo que es muy divertida, me gusta la idea de la letra que habla sobre sentirse solo pero al mismo tiempo tener a alguien que te alienta a ser la mejor versión de ti mismo. “Sleepwalker” me gusta porque creo que es algo de lo mejor que he escrito hasta ahora, musicalmente es muy atractiva para mí, y “Speak Of The Devil” es lo más raro y escalofriante que he hecho, es como muy freaky, y eso me encanta porque reta a tus oídos.

  • ¿Qué detalles me puedes decir sobre tu álbum debut?

Cada canción tiene su propia historia, vibra y ánimo, ninguna sonará parecida. Lo que me gusta de la música con la que he crecido es la diferencia en la composición y los estilos de las canciones. Era importante para mi hacer un álbum en el que pudiera ser libre, sin nadie que me dijera “tiene que ser de este modo o tiene que sonar más a esto”. Pude plasmar cómo me siento realmente y cómo quiero que la gente me escuche.

  • ¿Qué temas inspiran tus letras?

Una gran parte se basa en relaciones, e hice algo en algunas canciones donde hablo de algún tema, pero desde diferentes puntos de vista, eso me ayudó en la escritura para salirme de mi propia cabeza y ver todo de diferente forma, eso lo disfruté. Creo que cualquier cosa puede inspirarte: viajar, conocer gente nueva, salir de noche con tus amigos y que te cuenten historias sobre sus vidas. Se trata de todo eso.

  • ¿Qué esperas llevarte de este show en México?

No sé, estoy muy abierto, no he estado en tour como un artista solitario, así que no tengo expectativas, solo quiero conectarme al máximo con la audiencia y con mi banda, así que lo que sea que pase pasará y me llevaré algo de eso.

  • ¿Cantarías algo en español?

Si quiero, tengo ideas de hacer algo en spanglish, mi español no es muy bueno entonces estoy trabajando en un spanglish que pueda salir bien.

  • ¿Planeas volver a la actuación en el futuro?

Sí, eso es algo que siempre se quedará conmigo, no es algo que haya dejado, sino que no me he enfocado en eso. Una vez que estoy completamente en la música, me es difícil alejarme, estoy enfocado en ella.

  • ¿Qué esperas lograr como Logan Henderson?

Creo que quiero hacer música para retar y alentar la manera en que las personas se ven a sí mismas y al mundo. La música que escucho así es, me hace pensar en mí mismo y en otros, y me ayuda en esa idea de la conexión.

Les dejo las fotos que nos tomamos luego de la plática:

*este contenido fue realizado para Revista Kuadro y publicado en revistakuadro.com

 

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Reseña: El primer show en solitario de Logan Henderson en México

Texto: Mariana Velasco

Fotos: Alejandro Servin (para Revista Kuadro)

Han pasado cuatro años desde que se separó Big Time Rush, una de las boybands más exitosas de los últimos tiempos. Hoy en día ese tipo de bandas ya no duran mucho, es la verdad, y al romper, sus integrantes deciden tomar caminos propios. Kendall Schmidt y James Maslow ya han visitado el país con sus proyectos en solitario, y esta vez fue el turno de Logan Henderson, quien dio un show lleno de sorpresas en el Plaza Condesa.

Este concierto fue la segunda fecha de un pequeño tour con el que arranca oficialmente su carrera, aún sin haber lanzado un LP. Todo lo que conocíamos eran tres canciones, las expectativas eran difíciles de determinar, y entre toda la nueva música, los fans esperaban que en el setlist se colara algo de Big Time Rush.

En punto de las 7:30 de la noche salió al escenario Arial, la banda abridora. Entre luces rosas, prendieron con su electro pop a una audiencia que estaba aglomerada en unas diez filas empezando desde la barricada, pero lo más cool de su acto fue el ánimo que traían, en especial la bajista, quien puso a todos a bailar y a mover las manos al ritmo de canciones como “Una Vez Más” y “Salvar”.

El público ya estaba ansioso, y los empujones hasta el frente estaban tan intensos que una que otra chica se comenzaba a salir para observar el concierto desde un poco más atrás. Finalmente, a las 8:15 se apagaron las luces y empezó a sonar el intro de una canción desconocida, el baterista saludaba a la gente que ya estaba más que enloquecida y entre gritos salió Logan, que inmediatamente empieza a cantar “Speak Of The Devil” con una actitud súper animada. “¡Ciudad de México! Gracias por venir, estoy muy contento de estar con ustedes”, son las primeras palabras que le dirige a sus fans.

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Entre mucho humo, luces y miles de papelitos de colores, Logan comenzó a presentar canciones nunca antes escuchadas, y a lo largo del show reafirmó que su música no está enfocada en un solo género, pues escuchamos tracks con mucho pop, algunos con toques R&B y otros muy electrónicos.

“Sleepwalker” fue uno de los mejores momentos de la noche, pues todo mundo coreaba “lock these chains, throw away the key, tried to stay awake but you grab a hold of me, she says, keep walking sleepwalker, keep walking”, además de que le dio un giro muy interesante a la canción con un outro extendido en la guitarra.

Llegó el esperado momento: Logan se sienta al frente del escenario al lado de su guitarrista y dice “México…ustedes son muy especiales para mí, así que quiero tocarles esto…se llama Music Sounds Better With you”, y la nostalgia invade al Plaza Condesa recordando los tiempos en que Big Time Rush estaba en la cima.

La segunda mitad del show fue la más animada. Logan interpretó canciones nuevas con las que todo el mundo bailó, e incluso se notaba que eran sus favoritas personales. Al final de “Bite My Tongue” anunció que regresará al país en septiembre, y por si no fuera ya demasiada emoción y variedad de ritmos, nos sorprendió también con una canción con beats muy hip hoperos.

Logan se despide una primera vez, las luces bajan y de fondo se escucha una voz femenina un tanto escalofriante que repite “esta historia no tiene fin” en español, y luego de unos minutos, regresa para una última canción que pone a todos a bailar, y en los últimos segundos hace una backflip sobre el escenario que provocó gritos ensordecedores, pues es uno de los movimientos que Henderson solía usar como marca personal durante los conciertos de BTR.

Un beso al aire y un “muchas gracias México” ponen fin a esta primera presentación de Logan Henderson como solista, dejando al público extasiado y con ganas de que lance pronto su álbum debut. No todos los días se puede ser testigo de un concierto en el que casi todo el setlist es sorpresa, pero Logan logró dejar en claro por qué su proyecto es tan diferente y que tiene mucho que ofrecer a futuro.

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Reseña: My Dear Melancholy, el EP que surge sorpresivamente del dolor de The Weeknd

Después de estar en la cima y disfrutar el éxito de Starboy, algo pasó en la vida de The Weeknd. Al parecer, algo devastador y terriblemente desgastante en el terreno emocional. Todos dicen que ese suceso fue su separación de Selena Gómez, tema en el cual no es necesario ahondar pues cualquier fan de la música (sin importar el género) o de The Weeknd debe conocerlo, aunque sea muy por encima. Pero no nos enfoquemos en eso, sino en el hecho de que en el mundo de la composición, cuando algo devastador sucede, la inspiración fluye como el agua, inspiración que si es usada de forma correcta, puede dar como resultado un muy buen material. Este es el caso de My Dear Melancholy,.

Este primer EP de The Weeknd consta de seis tracks que forman una historia de desahogo y melancolía, casi como una carta, por eso la coma al final del título. Starboy fue un extenso álbum que estuvo cargado de géneros, sobre todo mucho hip-hop bailable y varias colaboraciones interesantes, fue un álbum alegre en el que el cantante salió un poco de su zona de comodidad.

En My Dear Melancholy, vuelve a las raíces y los ritmos que le dieron el éxito cuando lanzó The Beauty Behind The Madness, lo cual resulta bueno y apropiado para los sentimientos que desahoga. “Call Out My Name” abre el EP como una balada pop con toques R&B, lenta, atmosférica. La letra habla sobre el inicio de una relación y cómo se va dando cuenta de que ella sólo lo utilizó.

“Try Me” es hip-hop moderno mitad melancólica mitad bailable. La guitarra eléctrica le da un toque especial, y la voz de The Weeknd que se funde entre los ritmos, le da el toque de dolor, haciéndole saber a la chica que lo puede buscar cuando sea que lo necesite. “Wasted Times”, “I Was Never There” y “Hurt You” son tracks pop con la elegancia característica de The Weeknd en sus dos primeros álbumes, con un poco de electrónica y hip-hop, las dos últimas con colaboración del DJ Gesaffelstein. Esta parte de la carta habla sobre el trabajo que le está costando superar a la chica, lo cual le provoca depresión y posteriormente el querer alejarla definitivamente.

“Privilege” es una balada pop/R&B con mucha atmósfera, sonidos calmados de fondo y melancolía. Finalmente cierra el ciclo y le dice adiós a su viejo amor, no sin remarcar que a pesar de todo no quiere verla sufrir otra vez y que él estará bien de ahora en adelante.

Nadie sabe realmente de qué se trata este EP (aunque sea obvio), pues el cantante no ha dicho nada al respecto, sin embargo, The Weeknd logra cautivarnos una vez más con su melodiosa voz, ritmos lentos de distintos géneros y un sentimiento de nostalgia indudable.

*este contenido original fue escrito para Revista Kuadro y publicado en revistakuadro.com

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Reseña: The Neighbourhood evoluciona sin perder su esencia en su nuevo LP homónimo

Los ritmos musicales y conceptos ochenteros en general se han visto muy presentes últimamente en la música, televisión y hasta cine, y parece que tanto como los artistas disfrutan plasmarlos, así los disfruta el público. Y hablando de cosas que están de moda, tenemos a The Neighbourhood, una banda cuya popularidad ha subido como la espuma, y que nos acaban de regalar su tercer disco (ahora homónimo) con un montón de tintes ochenteros.

Se nota que Jesse Rutherford y compañía han estado con la inspiración al máximo, pues mientras aún estaba en curso la gira de su segundo álbum (Wiped Out!), lanzaron dos EP con cinco canciones cada uno, y luego apenas terminó dicha gira, anunciaron el lanzamiento de The Neighbourhood. Así que, este disco es un ejemplo de lo que pasa cuando una banda no para de hacer música.

“Flowers” abre con unos sintetizadores y un ritmo ochentero alegre que la banda nunca había hecho, lo que da la impresión de que será un disco bastante diferente y hasta cierto punto un poco difícil de asimilar, pues The NBHD se ha caracterizado por ritmos melancólicos. “Scary Love” fue el primer sencillo, y de igual manera es un track ochentero pero con beats más característicos del quinteto.

Llegando a “Nervous”, el ritmo se vuelve mucho más familiar. La canción es como una fusión de los tres álbumes: la guitarra y los beats con vibra de hip-hop como en I Love You, y la voz con un tono como en Wiped Out! A partir de aquí, este LP se va desarrollando lentamente y poco a poco te puedes dar cuenta de que no es algo tan radical, y vas notado los tintes que la banda mantuvo.

Hay varios tracks que, escuchados con atención, tienen beats casi iguales a algunos de sus éxitos pasados: “Softcore” a pesar de tener ritmo ochentero, tiene partes que son muy parecidas a “Wiped Out!” (la canción). “You Get Me So High” y “Blue”, se parecen mucho al ritmo de la banda en I Love You, y “Reflections”, específicamente se parece a “Flawless”, del mismo álbum. “Revenge” es una de las mejores, con una batería rápida, una voz sensual y coro pegajoso.

“Void” y “Stuck With Me” son muy ochenteras y tranquilas, quizá un poco hipnotizantes por lo mismo. “Sadderdaze”, en su mayoría hip-hopera, sale un poco de la línea al incluir violines, lo que le da un toque clásico.

The Neighbourhood mantiene su estética típica de portadas en blanco y negro, y aunque en la primera escucha este trabajo puede provocar un pequeño susto y dar la falsa alarma de que han cambiado completamente, la banda logra darle un giro a su música, pero conservando la esencia que los ha llevado al éxito, a pesar de que probablemente ya sean una de esas bandas que conservarían a sus fans hagan lo que hagan.

*este contenido original fue escrito para Revista Kuadro y publicado en revistakuadro.com

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Reseña: Fall Out Boy lleva la experimentación al máximo con M A N I A

Luego de American Beauty/American Psycho, hubo un hueco en la carrera de Fall Out Boy, como si hubieran desaparecido. Los fans esperaron ansiosos su regreso durante tres años, los cuales parecieron una eternidad.

La razón era que se estaban reinventando más que nunca. Fall Out Boy empezó como una de las bandas de pop punk más exitosas, en un año donde el género estaba en pleno auge. Sin embargo, no se quedaron ahí y con cada disco decidieron evolucionar la manera en que hacían rock, además de explotar cada vez más la multifacética voz de Patrick Stump.

Desde la portada con luces neón moradas, M A N I A causa curiosidad y evoca la sensación de que es algo completamente distinto a lo que la banda ha hecho. Según Pete Wentz, el bajista, es el resultado de toda la música nueva que “ha estado surgiendo” y de “sentimientos que sólo pueden tener en esta etapa de sus vidas”.

“Young And Menace” es el track que abre el disco, con un Patrick Stump muy pop y unos beats electrónicos en sube y baja que definitivamente los hacen parecer otra banda. Entonces nos damos cuenta de que la base principal de este disco es el EDM (electronic dance music), cuya característica principal son los beats altos, ruidosos y bailables. De alguna manera, la banda ya había trabajado con ritmos poderosos, pero esta vez decidieron tomar un rumbo mucho más electrónico y pop, donde la voz pasa un poco a segundo plano. Vemos la misma línea en tracks como “Stay Frosty Royal Milk Tea” y “Bishops Knife Trick”.

“Champion” “Church” y “The Last Of The Real Ones” son los tracks que más nos remontan a los dos álbumes pasados de Fall Out Boy, con ritmos parecidos a canciones como “Centuries” o “Immortals”, mezclados con un poco de pop en los coros y en elementos como los teclados.

“Heaven’s Gate” es una balada pop con bastantes y muy románticos toques de soul. “Sunshine Riptide” cuenta con la colaboración de Burna Boy, cantante que trabaja en géneros como el afrobeat y el dancehall, quien resulta bastante apropiado para el sonido general de este disco. Es un track festivo y electrónico.

La banda llamó M A N I A a este trabajo porque “vivimos en tiempos maniáticos”, y Patrick Stump asegura que quienes se sorprendan por el hecho de que hayan tomado un camino tan diferente, es porque nunca pusieron atención a la evolución que siempre han tenido, como un resultado de experimentación constante. Incluso ellos mismos se asustaron. M A N I A no suena a Fall Out Boy, sino que más bien es el LP que marca un nuevo empiezo en su carrera y que nos deja curiosos por lo que podrán hacer después.

*este contenido original fue escrito para Revista Kuadro y publicado en revistakuadro.com

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Reseña: The Beautiful & Damned de G-Eazy habla de lo más hermoso y nocivo de la vida

Cuando G-Eazy estaba a mitad del proceso de creación de su cuarto álbum de estudio titulado The Beautiful & Damned, su ingeniero y productor le dijeron que podían notar dos sonidos muy diferentes, por lo que tenía que decidir en qué dirección ir. La solución del rapero fue hacer un álbum doble, extenso, sobre la dualidad de su personalidad. Según sus palabras, este LP es simplemente el siguiente capítulo en su vida: “estoy explorando mi dualidad, mi personalidad dividida. Es también acerca del estilo de vida que llevo, y del cliché de sexo, drogas y rock ‘n’ roll”.

Las canciones no están en orden de acuerdo a esos sonidos distintos, pero después de escuchar el LP completo y con detenimiento, sí se pueden separar y es notable la diferencia. When It’s Dark Out, la anterior producción de G-Eazy, obtuvo muchos reconocimientos, pues tuvo varios éxitos que hasta el día de hoy siguen sonando, como el track “Me, Myself And I”. Así que, las expectativas con The Beautiful & Damned eran altas.

El álbum abre de forma interesante con una canción que lleva el mismo título, y la primera voz que escuchamos es la de Zoe Nash, una cantante que lleva poco en el medio. La colaboración resulta interesante pues le da un toque rugoso a la canción, para después dar paso al hip-hop típico de G-Eazy acompañado de sintetizadores constantes en el fondo.

En las líricas es muy notable el concepto principal en líneas como “all the sex, and the drugs and the boozin’, the decision is mine for the choosin’. I know a gemini can be confusing”. Otros temas son el amor, los altibajos de la vida y los sueños.

El primero de los dos sonidos en este álbum se puede definir como muy actual, a cómo suena el hip-hop más famoso hoy en día, y con toques de pop. Canciones como “Pray For Me”, “Legend”, “That’s A Lot” y “No Limit” son mayormente para bailar.

El pop se hace más presente en “Him And I”, uno de los éxitos de este LP hasta ahora. Cuenta con la voz de la cantante Halsey, quien es pareja actual de G-Eazy. Es el track más romántico. “Crash & Burn”, con Kehlani, tiene una línea de ritmo muy parecida.

El otro sonido que podemos definir en The Beautiful & Damned es un hip-hop menos alegre, más tétrico y podemos decir que incluso más elegante, sobre todo gracias a los artistas invitados. “Sober” es uno de esos tracks, pues la voz pop de Charlie Puth se agrega muy bien a los ritmos de G-Eazy. “Leviathan” logra algo parecido con la armoniosa colaboración de Sam Martin.

“Summer In December” es un track tranquilo y bastante interesante en el que G-Eazy interactúa con un hip-hop al estilo de los 70’s y 80’s, cuando abundaba el scratching. Resulta bueno, pues es un ritmo con el que no había trabajado en sus producciones anteriores.

“Eazy” cierra el LP con el sonido típico del rapero y vuelve a un ritmo alegre mientras cuenta toda su historia de vida y el proceso de perseguir sus sueños. The Beautiful & Damned es un álbum variado en su género que puede ser para todos los gustos de los fans del hip-hop y el rap, y no cabe duda que G-Eazy se ha consolidado y sólo mira hacia adelante.

*este contenido original fue escrito para Revista Kuadro y publicado en revistakuadro.com

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