No falta mucho para un nuevo disco de alt-J

Algo inusual que está pasando últimamente es que alt-J han estado muy activos en internet, sobre todo en su instagram. Apenas hoy en la mañana (hora de México) estuvieron publicando una serie de fotos que nos dejan ver un poco cómo está siendo su proceso de grabación del nuevo disco en los estudios Abbey Road, en UK. Sin embargo, no son el único estudio donde han estado grabando estos meses.

Great day

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Bassist

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Pocos días después de que fuera lanzado el álbum en solitario de Thom Sonny Green, el baterista, éste, Gus y Joe empezaron a publicar fotos juntos en el instagram de la banda, como diciendo “hey! ya estamos trabajando en el nuevo disco”, y al siguiente mes publicaron este tweet:

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“¿Alguien ordenó una tonada? Porque acabamos de escribir una. Nos vemos!”

“Acaba de suceder otra vez”

Para quien no entienda mucho a que se refiere ese tweet, citaron uno propio que publicaron poco antes de lanzar “This Is All Yours” en 2014, lo cual nos da a entender que el tercer álbum está muy pronto a salir. Por otro lado, han estado publicando actualizaciones de festivales europeos en los que estarán tocando a partir de junio, por lo que es muy probable que toquen en vivo algún sencillo nuevo que no tarda mucho en lanzarse. O incluso más de uno.

Thom declaró aquí lo siguiente: “Estamos muy emocionados por el nuevo álbum, creo que va a ser muy interesante. Siento que será diferente pero no sé, es divertido como cuando escribimos juntos todo sale bien y viene muy natural y rápido. No puedo predecir nada, sólo escribimos lo que sentimos”.

 

Creo que puede haber muchísima expectativa con alt-J, la hay desde que lanzaron su segundo álbum, pues no olvidemos que “An Awesome Wave” ganó un Mercury Prize. De hecho, “This Is All Yours” tuvo muchísimas críticas negativas porque “no estaba a la altura de una banda que ganó un Mercury Prize anteriormente”. Pero ya veremos qué pasa. Lo único que podemos adelantar es que tendrá varios elementos de orquesta por lo que vemos en sus fotos de Instagram.

Strings

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…and brass

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Sobra decir que yo estoy emocionadísima.

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Conozcamos a Cloves

Hoy los quiero introducir al trabajo de una chica australiana de tan sólo 20 años de edad que tuvo una pequeña presentación en la más reciente edición del Festival Corona Capital aquí en la Ciudad de México: Cloves. Pero primero, una pregunta. ¿Qué tipo de música se imaginan que hace al ver su foto?

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Si respondieron rock, pensaron igual que yo. Pero mi sorpresa fue grande cuando me senté a escucharla, ya que su música está compuesta de una combinación entre soul, jazz, y algunos muy pequeños toques de country. Y una sorpresa aún más grata es cuando entra su voz en la canción, pues es una voz con un talento más que real y genuino. Para darse una idea, suena un poco como Adele, y si analizamos que Cloves apenas si entró en sus 20’s, es una voz muy madura para alguien de su edad.

Su nombre verdadero es Kaity Dunstan y aunque nació en Australia, vive en Londres. Sus principales influencias son Amy Winehouse, Fiona Apple y Etta James, que claramente se notan en su estilo para cantar y componer. Comenzó a cantar a los 13 años y desde entonces ha tenido muy clara la dirección que quiere para su música, aunque en sus palabras, ir conociendo su voz ha sido un proceso largo.

Recientemente, su track “Don’t forget about me” se hizo muy conocido gracias a que fue parte del soundtrack de la romántica cinta “Me before you”, parte de su primer y único EP hasta ahora titulado “XIII”, lanzado el año pasado. Sus canciones están impregnadas de letras cursis y ritmos suaves liderados por guitarra o piano. Algo que personalmente me llama mucho la atención al escuchar cantar a una mujer, es cuando tienen voces contralto, ya que representan un sonido muy diferente al que estamos acostumbrados en una mujer, y dependiendo del tipo de música que la acompañe, se crea algo cada vez más único, y este es sin duda el caso de Cloves.

En estos momentos, Kaity se encuentra produciendo su álbum debut, del que ya podemos escuchar “Better Now”. Den click en su perfil de soundcloud (o búsquenla en Spotify) para checar sus demás tracks. No hay mucha info de ella en internet ni existe aún su página propia, pero pueden leer ésta entrevista y ésta otra si quieren conocerla un poco más.

¿Qué me dicen? ¿Esperan con ansias su primer LP como yo?

Acerca de por qué Lana del Rey es tan especial para mí / Corona Capital 2016

El domingo pasado asistí a ver a Lana del Rey en el Corona Capital. Lana es mi mujer preferida en la música, y si bien no he hablado mucho de ella aquí, su música tiene un significado enorme en mi vida. Antes que nada, déjenme decirles que Lana es extraordinaria en vivo. Tiene una vibra y personalidad tan angelicales, que te hipnotiza, y decir eso es muy poco para alguien tan fan como yo.

A Elizabeth Grant (su nombre real) la conocí en 2013, cuando “Summertime Sadness” era su mayor hit. De inmediato sentí una conexión con sus letras, y el ritmo de sus canciones como un plus, porque ya saben que amo la música triste. Recuerdo haberme enterado ese año que vendría a México por primera vez, pero como apenas la conocía, no me interesé mucho en ir a verla. Fue hasta 2014 que vino después de haber lanzado “Ultraviolence” cuando la vi en vivo por primera vez y descubrí lo mágicas que son sus presentaciones.

Con “Honeymoon”, su más reciente álbum, me ganó como fan completamente. Es mi disco favorito, creo que las canciones de ese álbum son las más elaboradas de toda su carrera, las más “elegantes”, sofisticadas y artísticas. Un perfil que a Lana le va muy bien.

Para este Corona Capital hice por Lana lo que haría por cualquier otra de mis bandas favoritas: formarme y correr para alcanzar primera fila. Desafortunadamente esta vez fracasé en la misión de llegar a valla y tuve tercera fila, porque de verdad que no me imaginaba la magnitud en cantidad de la gente que iría a verla sólo a ella al festival. Aún así, la vi de cerca y de paso cantó “Old Money”, mi canción favorita, cosa que no me esperaba porque no la había cantado en este tour. Y por cierto, vi otros actos muy interesantes de los que próximamente hablaré aquí.

Lana me encanta por su misticismo y por su forma tan poética de ver las cosas. Ella misma ha dicho que es poeta, y de ahí sus letras tan profundas, melancólicas y la mayoría de veces románticas. Yo me defino como una hopeless romantic, y ahí la razón número uno de por qué soy su fan. En los tiempos en que la descubrí, yo estaba profundamente enamorada del único hombre de quien me he enamorado en la vida, y todas las canciones de Lana me recordaban a él. La historia es bastante simple y triste: él siempre estuvo fuera de mi alcance, lo veía muy de vez en cuando y me la vivía extrañándolo, y asi fue por años, unos cinco. Fue una etapa rara en mi vida.

De todo lo que Lana ha hecho, un monólogo llamado “I still love him” es mi creación preferida. Este monólogo lo recita al final de la historia en el video oficial de “National Anthem”, y habla sobre sus interminables sentimientos de admiración por un hombre con quien vivió muchas dificultades y cómo a pesar de todo lo sigue amando. Así me sentía yo. De hecho uno de mis sueños dorados es que Lana escriba para mí en una hoja un pequeño verso de ese monólogo, para tenerlo en su letra y hacerme un tatuaje de eso. Ya he tratado de conocerla, pero es muy difícil 😦

Un top 5 de mis canciones favoritas y que serían las que les recomendaría para empezar a escucharla si nunca lo han hecho, sería:

  1. Old Money (Ultraviolence)
  2. Swan Song (Honeymoon)
  3. Blue Jeans (Born to die)
  4. Cruel World (Ultraviolence)
  5. Art Deco (Honeymoon)

Lana es una artista igual de odiada que amada, ya que muchos califican su música de “extremadamente aburrida y depresiva”, pero en gustos se rompen géneros. Sus tracks siempre me recordarán los sentimientos más verdaderos y profundos que hay en mí. Para terminar, una foto de lo perfecta que lució en el Corona Capital:

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twenty one pilots: Emotional Roadshow en México

Quiero empezar este post diciendo una cosa: este concierto es el mejor al que he ido en toda mi vida. Incluso por encima de los de Muse. ¿Por qué? porque este show ha sido el más energético e interactivo. Todo mundo se pregunta cómo es que tan solo dos personas pueden lograr algo tan increíble en el escenario, y en este post tendrán mi respuesta personal. Iba a hacerlo en plan de reseña, pero creo que a ustedes les divertiría y entretenería más si les cuento cómo fue para mí.

Otra cosa que marcó la diferencia de entre todas mis experiencias, fue que para este concierto acampé nada más y nada menos que cuatro días. Claro, junto a un grupo de amigos con los que me organicé para hacer relevos toda la semana. Así logramos ser los primeros en la fila para ingresar a pista.

Fue todo un viacrucis jajaja porque para empezar nos tiraron mucho odio en Facebook por “acampar tanto” y hasta decían que seguramente era nuestro primer concierto y que no sabíamos lo que hacíamos xD Yo me quedé la noche del martes y el miércoles traté, pero recuerdo que ese día llovió tanto que no pude llegar de tan inundado que estaba. En jueves llegué como a las 6 de la tarde y ya había bastante gente en la fila.

El viernes finalmente llegó, y como a eso de las 9am la fila ya era inmensa y daba la vuelta a la avenida. Por esas horas, el personal de seguridad nos movió adentro del estacionamiento, y posteriormente como a la 1pm, nos escanearon el boleto y nos metieron a un lado del pabellón oeste. Ahí nos tocó esperar hasta las 6:30pm. Yo no había dormido más que un gran total de dos horas en esos dos días, pero puse todo mi empeño para olvidarme del cansancio. El cansancio es parte de la experiencia después de todo :’)

Como a eso de las 6:20, nos dieron el acceso a pista. Nos fueron llevando en fila hasta el interior del Palacio y fue lo más emocionante del mundo entrar y verlo vacío! Yo era la segunda en la fila y sentí padrísimo, como con Muse. A pesar de que nos dijeron que no corriéramos, unas cuantas personas de más atrás se alocaron y deshicieron la fila, lo que provocó que todo mundo se echara a correr. Corrí lo más rápido que pude y llegué a la vallaaaaaaaa. Por un segundo pensé que en la carrera perdería a todos mis amigos, pero me sorprendí cuando al ver a ambos lados, noté que todos habíamos quedado juntos!

Era feliz desde ese momento, porque supe entonces que todo nuestro esfuerzo valió la pena y que a pesar del sueño y el cansancio, iba a poder disfrutar todo al máximo. Quedé justito en frente de la batería de Josh. El público se puso algo pesado antes de que tocaran los teloneros.

No voy a mentir, esta vez la espera fue algo aburrida, pero me daba risa que tenían pura música como de cholos de fondo, jajajaja. A las 8:30 en punto salió al escenario Camilo Séptimo, la banda abridora. A durísimas penas tocaron cinco canciones porque no prendieron NADA al público, y cuando anunciaron que tocarían su última canción, el vocalista me vió hacerle una seña de “adiós” con la mano y me miró con odio, jajajajajajaajaja!

Las ansias y las mariposas en el estómago se apoderaron de mí cuando se bajaron del escenario, ya que el crew de TOP comenzó a preparar la escenografía tras una cortina blanca, y fue la media hora más larga de mi existencia, se los juro. Empecé hasta a sudar frío. Debo decir que estaba un poco escéptica porque jamás me imaginé que estaría en front row para un show de ellos, pero quise hacerlo por la grandiosa impresión que me dejaron cuando los vi en el Corona Capital el año pasado.

Poco antes de las 9:30pm empezó a sonar el intro de “Fairly Local” y se apagaron las luces entre los gritos de todos, mientras Josh sale entre la oscuridad a tomar su lugar en la batería y empieza a tocar los primeros platillos. “Yo, this song will never be on the radio, even if my clique were to pick and the people were to vote, it’s the few, the proud, and the emotional. Yo, you, bulletproof in black like a funeral, the world around us is burning but we’re so cold, it’s the few, the proud, and the emotional” son las líneas que abren la noche, hasta que Fairly Local lentamente se va convirtiendo en el inicio de “heavydirtysoul”, una de mis absolutas favoritas! y me gusta que hayan estado abriendo sus shows con esta canción desde que salió Blurryface, ya que creo que ninguna otra podría abrir tanto los ánimos en el público

“Migraine” siguió en el setlist y fue verdaderamente divertido rapearla, jajaja. Después siguió una que jamás creí escuchar en vivo: “Hometown”, y que de hecho era una de mis favoritas cuando apenas comenzaba a a escucharlos. No la tocaron 100% completa, pero estuvo muy padre el momento en que Tyler desapareció del escenario principal y apareció en una de las gradas D, donde todos parecieron zombis tratando de tocarlo xD

Tyler volvió al escenario, toma su bajo y comienza a sonar “Polarize” seguida por “Heathens”, que obviamente fue muy aclamada. Hay un cambio de vestuario y llega el momento en que Tyler toma su ukelele y nos dice “at the count of three, i want everyone to say ‘yeah yeah yeah'”, y después de que lo hacemos, saca a relucir su español diciendo “más o menos”, jajaja, eso me encantó. Gritamos de nuevo y da inicio “We don’t believe what’s on TV”, en la que coreamos felizmente con las manos arriba la parte de “i don’t care what’s in your hair, i just wanna know what’s on your mind”. Ese fue uno de los momentos más chidos de la noche y uno de los más felices de mi vida ❤

“The Judge” fue emocionante, porque es una canción que apenas agregaron en sus setlist para este tour. Y aquí vino mi momento favorito en lo personal: “Lane Boy”. Desde que iba a empezar grité como loca y la canté de inicio a fin. El momento antes del “beat” de la canción donde Tyler nos pide que nos agachemos fue lo máximo y peor cuando vino la parte en que todos saltamos. Recuerdo que mientras saltaba sentí un golpe muy fuerte en la rodilla. En ese momento no me importó pero ya después vi que el golpe me sacó un moretón enorme.

No pensé que la fueran a tocar pero fue una grata sorpresa: “Ode to Sleep”. Ambos se movieron a un escenario en medio del Palacio que yo jamás pude ver por estar hasta adelante :/ y ahi se siguieron para tocar su combinado de canciones viejitas, que fue un momento realmente emotivo y bonito.

Para “Holding on to you” volvieron al escenario y Tyler se subió arriba del público en la parte media. Cerca de este punto del show me pasó algo padrísimo. No recuerdo bien entre cuál y cuál canción sucedió, pero hubo un momento en que me le quedé viendo a Josh mientras tocaba únicamente unos platillos, y de alguna manera me encontró la mirada y también se me quedó viendo, me hizo algunos gestos y finalmente me mandó un beso con la mano. Fue como what?! pero aproveché y le mandé un beso de vuelta jajaja. Nunca lo voy a superar!

Luego tocaron “Jump around”, cover de House of Pain, al que le siguieron sus más famosas: “Ride” y “Stressed Out”, que todo mundo cantó y que personalmente disfruté muchísimo. “Guns for hands” es una de mis favoritas y me encantó como Tyler sí se metió a la pelota gigante y rodó entre toda la pista, porque tenía mis dudas sobre si lo haría. Ya saben…nosotros somos un público difícil y muy entusiasta jajaja.

“Tear in my heart” fue otro de los momentos felices. Con “Car Radio” llegó algo de lo más emocionante, porque todos saltamos mucho e incluso después de que la canción había acabado, seguimos cantando el “ohhh ouoohhh” (o no se cómo se pueda transcribir exactamente jaja) en lo que ellos volvían.

Después del encore, siguió una de las canciones más esperadas, “Goner”, que fue un instante demasiado emotivo. Y para cerrar “Trees”, en la cual al final ambos se subieron al público para tocar. No me tocó tenerlos cerca en ningún momento más que cuando se bajaban para irse a algún otro lado de la pista, pero algo que me gusta mucho del Palacio de los Deportes es lo cerca que está el escenario de la valla. La vista es súper cercana y clara.

No puedo describir muy bien con palabras lo mucho que me divertí en este concierto, definitivamente superó todas mis expectativas, y de verdad me pareció increíble el gran show que Tyler y Josh pueden dar sin necesidad de tanta escenografía o incluso, de más miembros en la banda. Los shows de Muse, que ustedes saben he ido a muchos, son buenos por la escenografía y la calidad para tocar en vivo que tienen, pero los de twenty one pilots son demasiado enérgicos y divertidos, además de que sus fans juegan un plus muy especial ya que arman un ambiente muy muy bueno. Aunque sólo les gusten dos o tres canciones, yo les recomendaría que los vieran en vivo alguna vez. Por mi parte yo jamás me los vuelvo a perder cuando regresen.

Aquí les dejo una pequeña presentación con fotos que resumen mi aventura. Y por cierto, amigos, los fans de twenty one pilots no tienen un nombre individual. Todos juntos forman el “skeleton clique“. Lo pongo porque se que muchos de ustedes que llegan a mi blog, lo hacen buscando el nombre de la fanbase de este dúo. ¡Gracias una vez más por leerme!

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¿Cómo se lleva a cabo un festival de música?

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¡Hola! vengo a subir un pequeño post acerca de lo que aprendí en una plática muy interesante a la que asistí antier en el Centro Cultural de España en México, que como ustedes saben, se ubica en el Centro de la Ciudad de México. La plática llevó por nombre “Gestión de ferias y festivales”. Si se preguntan cómo se pone en marcha un festival de música como el Corona Capital, el Hell & Heaven o EDC, espero que este resumen despeje su curiosidad en alguna medida.

Para la organización de un festival musical, se requiere un equipo de personas muy amplio. No hay nadie que se “encargue de todo”, sino que es un trabajo de equipo en todo sentido.

Primero, el dinero. Para que un festival tenga éxito y sobre todo ganancia monetaria, se requieren de años de esfuerzo. En vez de ganar, todos los festivales PIERDEN dinero en sus primeras ediciones, aunque se pueda creer que vendiendo todos los boletos los organizadores ya serán ricos, pues no es así. El dinero obtenido en la venta de boletos apenas si alcanza a cubrir el pago que se les tiene que hacer a los artistas, que es muchísimo. Las ganancias reales de un festival vienen de los patrocinadores, y es por eso que tienen tanta importancia. Los organizadores siempre tienen el reto de hacer lo mejor que puedan con el presupuesto inicial que se les da.

Después, los que se encargan de agendar a los artistas son las personas de logística. Ellos son los que hacen la propuesta y le dan seguimiento hasta después de que el festival se hace. Generalmente, hay una persona de logística para cada artista que se presentará. Siempre están en contacto con el management de las bandas y resuelven hasta la duda más pequeña que tengan.

En la plática estuvieron personas que llevan el cargo de “director o jefe de producción”. ¿Qué hace un director de producción de un festival? A lo mejor muchos de ustedes piensan que se encargan de organizar el line up y agendar a los artistas, pero no es así. El trabajo de un director de producción comienza DESPUÉS de que los artistas ya están agendados. Ellos únicamente se encargan de que el festival se lleve a cabo, con todo lo que se requiere. En pocas palabras, que todo salga bien.

Entre una de sus labores más importantes, está la organización de un manual que se le envía a cada artista. En este manual, se les da la bienvenida al festival en el que tocarán y se les especifica absolutamente todo lo que tendrán a su disposición, cómo llegarán al país, cómo se transportarán dentro del mismo y dónde se hospedarán, además de los contactos de todas las personas que forman parte del equipo de organización. En este manual se incluyen los siguientes datos:

  • Esquemas de los escenarios vistos desde todas las perspectivas
  • Horarios en que tocarán todos los demás artistas y en qué escenarios
  • Horarios de desayuno, comida y cena
  • Tipos de acreditaciones
  • Hospitality
  • Listas extremadamente detalladas de todos los equipos con los que contarán para su espectáculo (amplificadores, micrófonos, luces, etc.)
  • Mapa del lugar
  • Horarios de backstage

La mayoría de los artistas se tienen que acoplar a lo que cada festival les ofrece. Los únicos que pueden pedir lo que quieran son obviamente los headliners, es decir los artistas estelares. En resumen, en un festival todas las bandas llegan a tocar y se van, no hay más. Es diferente de cuando cada quien viene con su propia gira. En un festival todo tiene que estar perfectamente organizado, agendado y puesto por horarios, y por supuesto también tiene que haber medidas de prevención para cualquier imprevisto que se pueda presentar en el público o el artista.

Como verán, es un trabajo que requiere meses, ya que un festival de música también debe ser novedoso cada año y cambiar su imagen, ofrecer nuevas emociones al público.

Fue un post pequeño, pero espero que les haya gustado. Hablando del Corona, ahora mismo estoy muy muy emocionada por ir a ver a Lana! ya tengo mi boleto en mano y toda la onda, y por supuesto que les estaré contando. También les debo el post sobre mi experiencia con Twenty One Pilots el pasado 30 de septiembre. Espérenlo pronto 🙂

El primer trabajo solista de Thom Sonny, baterista de alt-J

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El baterista de alt-J, Thom Sonny Green, no sólo es talentoso a la hora de tocar la batería; es muy artístico, ya que también es fotógrafo, dibuja y además hace música por su cuenta. Desde hace tiempo ha estado trabajando en su álbum debut solista, en el que pretende jugar con sintetizadores y sus propias habilidades con su drum set. Y para nuestra fortuna, el próximo 19 de agosto será lanzado.

“High Anxiety” es el nombre de este trabajo, que contará con 21 tracks. Apenas hace tres dias, Thom decidió darnos el primer preview con “Vienna”, una melodía hipnotizante, sumamente adictiva y fácil de escuchar, con las influencias relajantes y melancólicas de alt-J y otras bandas que forman gran parte en los gustos musicales del baterista. Ya puede ser encontrada en YouTube, Spotify y iTunes, donde además ya está disponible el álbum en pre-orden.

Los visuales de “Vienna” fueron trabajados por el mismo Thom, quien comentó que a partir de ya, cada semana se lanzará un nuevo track hasta que llegue la fecha de lanzamiento del CD, y que cada uno estará acompañado de visuales diferentes. También cabe decir que el booklet de High Anxiety está conformado de fotografías tomadas por Sonny Green, y que hasta ahora van perfectamente bien con el ambiente y vibra de la música. Pueden ver más de su trabajo fotográfico en su cuenta de Instagram.

Para la revista Dummy, Thom dijo que desde que comenzó a hacer mixes, éstos han ido formándose poco a poco de sonidos abstractos y de influencias que obtiene de toda la música que escucha en el momento, que puede ser de toda clase de géneros, por lo que este disco será un reflejo de su vida y una ventana a su personalidad.

Para esta nueva etapa como músico solista, Thom acaba de dar a conocer sus nuevas páginas oficial y de Facebook. Ahí estará posteando noticias sobre su álbum, que por cierto presentará en vivo por primera vez en el festival Latitude en los próximos días. Es sin duda un trabajo que personalmente espero con muchísimas ansias.

Álbumes debut que esperar: Let’s Eat Grandma

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Recientemente, el periodismo musical extranjero ha estado hablando mucho de un dúo de chicas originarias de Norwich que están haciendo su entrada a la música. Se llaman Let’s Eat Grandma y el próximo 17 de junio tendremos su primer LP titulado “I, Gemini”. Llamaron mi atención cuando vi el video de su canción “Deep six textbook”, el cual es igual de interesante como raro.

Jenny y Rosa son dos adolescentes de 17 años que parecen muchas cosas a primera impresión: parecen una versión moderna de t.A.T.u. (físicamente, no musicalmente), parecen hermanas,  y también parecen un poco aterradoras (empezando desde el nombre de la banda), pero nada de lo anterior es cierto. Let’s Eat Grandma hacen, en mayor parte, pop experimental. La primera característica que las distingue son sus voces, que son agudas y demasiado infantiles para el gusto de muchos; pareciera que ambas tienen la misma voz, pero sólo es parecida, igual que la semejanza física entre ellas. Soprendentemente, no son hermanas ni ningún tipo de familia, sólo amigas desde la infancia.

Estas chicas empezaron a hacer música a los 13 años, primero tocando covers de las canciones más populares de ese momento. Por fortuna, pronto se aburrieron de eso y comenzaron a revolver todos los diferentes sonidos que se encontraban y los ponían juntos para condensar todo en una sola canción, según palabras de Jenny. Igualmente desde pequeñas, tienen un lugar especial para la utilización de la flauta, instrumento al que le tienen mucho aprecio y que de hecho está muy presente en sus canciones. Otros elementos que están muy presentes son el teclado y los sintetizadores, además de que también usan el xilófono y el saxofón.

Se podría creer que sus voces, al tener un tono tan peculiar, solo podrían quedar bien en canciones lentas como Deep Six Textbook, pero demuestran que también pueden ser versátiles en ese aspecto en su otro single llamado “Eat Shiitake Mushrooms”, en el cual incluyen algo de rap.

Otra cosa que me llamó muchísimo la atención es una sesión en vivo que hicieron exclusivamente para NME, en la que interpretan Deep Six Texbook de una manera muy curiosa. Parece que lo que Jenny y Rosa tratan de transmitir a sus escuchas es un halo de puro misterio, seriedad, y que hasta desean causar un poco de miedo, pero ellas aseguraron en una entrevista con The Guardian que aunque disfrutan de que la gente tenga una reacción a su música, les preocupa que “no le agarren la onda” y piensen que todo acerca de ellas es demasiado serio, porque no lo es. Todo lo contrario, ellas dicen que hay mucho de comedia en su álbum.

Pero sin duda, lo que se nota en esta sesión en vivo es que su talento es nato y 100% natural, porque ni siquiera fuerzan la voz. Y creo que este misterio es lo que las hace interesantes y las llevará lejos. Vale la pena que la chequen para tener una idea de cómo serían sus shows en directo:

Los otros dos temas de este dúo que están disponibles en este momento tanto en YouTube como en su página de Spotify son “Sink”, un tema que sigue una línea muy parecida a “Eat Shiitake Mushrooms” y “Rapunzel”, en el que incluyen un trágico piano clásico y armonías vocales que le dan un toque único a la canción.

Yo sin duda espero con ansias el lanzamiento de “I, Gemini”.